El oído pensante

Contra el fundamentalismo

Miguel A. García — 2020-02-10

Típicos tópicos tropicales

Juan Francisco Sans — 2020-02-10

La teoría tópica constituye una de las más exitosas y difundidas de la musicología actual. Formulada inicialmente en el seno de la academia de habla inglesa para el estudio del período clásico, su uso se ha extendido a otras escuelas, épocas y estilos musicales. En América Latina se la ha cultivado con asiduidad, dado que permite explicar plausiblemente y con particular eficacia algunos fenómenos propios, como el nacionalismo musical o las complejas fusiones habidas entre el jazz y las músicas locales, de mucha importancia en el continente. El presente artículo procura dar cuenta de algunos de los problemas que se presentan a la hora de aplicar los postulados de la teoría tópica a músicas de un orden diferente para las que fue originalmente concebida, como es el caso de la música latinoamericana en su conjunto. Estos problemas parecen claramente vinculados a la deriva semiótica que con el tiempo fue adquiriendo la teoría tópica. En tal sentido, pretendemos analizarlos y proponer un enfoque distinto a partir de los estudios de Análisis del discurso. Para ello, examinaremos algunos ejemplos concretos donde la teoría –tal como se ha formulado hasta ahora– resulta inoperante; haremos una crítica a lo que hemos llamado “teoría tópica extendida”; examinaremos el tópico musical a la luz de la pragmática y la teoría de la relevancia; y haremos un pequeño ejercicio final que evidencia por qué un tópico no puede ser considerado como un signo, sino una función que deriva de la interacción entre emisores, receptores y texto.

Mímesis sonora y metamorfosis estética: el siglo XIX como estadio crítico en la historia del pensamiento musical

Javier Campos Calvo-Sotelo — 2020-02-10

La teoría de la afinidad sónica (Campos, 2016) considera que el cerebro musical humano está modelado por la acción de sonidos recibidos desde la formación del oído, generando perfiles sonoros y estéticos en procesos miméticos integrados en la lógica evolutiva. Aplicada al ámbito de la musicología histórica, permite analizar el siglo XIX como estadio determinante de mutaciones musicales a raíz de la revolución industrial, que aplastó la quietud sonora del Antiguo Régimen con el estruendo de las máquinas de vapor, las hilanderas mecánicas y el ferrocarril. La orquesta creció imparable, el piano duplicó en potencia y posibilidades a sus predecesores, el metrónomo y la pianola se universalizaron, y las composiciones cultas desarrollaron unos rasgos y complejidad impensables anteriormente. Asimismo, la voz humana se ahogó temporalmente bajo la avalancha instrumental.

Cuerpo y bolero. La Lupe: una aproximación en clave de artefacto cultural

Celiner de Jesús Ascanio Barrios — 2020-02-10

El cuerpo es el lugar en donde se inscribe la subjetividad. No existe subjetividad sin cuerpo. Más allá de las teorías políticas, los estudios sobre esta categoría se abren también a perspectivas que lo conectan con la vida y el deseo. El cuerpo erótico constituye así una deriva que dialoga con las Políticas del Afecto y los Estudios Culturales. Nuestro trabajo parte de un fenómeno, pensado como “artefacto cultural”, que se origina en la música y estalla hacia otros campos generando una productividad. El objetivo del presente artículo es analizar categorías como cuerpo y erotismo y su relación con el bolero, a partir de una figura que constituye una “personalidad de excepción” en quien vida y obra se mezclan para dar lugar a un artefacto cultural: La Lupe. Nuestro corpus está conformado por formatos que permitirán leer esta productividad que representa La Lupe en Latinoamérica durante el siglo XX. Partiremos de las propuestas teóricas de Roger Dadoun sobre erotismo, cuerpo y deseo, y de las discusiones sobre “originalidad” de Gilles Deleuze, en diálogo con diferentes lecturas sobre el bolero que permitirán comprender las categorías anteriores, tomando en cuenta la especificidad que tienen dentro del imaginario latinoamericano.

La música de tradición oral en los tiempos de la world music. ¿Es posible una protección legal más allá del derecho de autor?

Sebastian Olave Soler — 2020-02-10

La propiedad intelectual, tal como ha sido definida por el derecho occidental, ha tendido a ignorar las especificidades y multiplicidades de la creación musical. Los mecanismos diseñados a partir de esta concepción, basados en la invariabilidad de los textos y en el aprovechamiento económico, han favorecido un sistema que permite el uso indiscriminado de expresiones comunitarias, en particular de las músicas de tradición oral. A través de las nociones de autenticidad y de propiedad artística, este artículo reflexiona sobre la necesidad de ampliar y adaptar el derecho de propiedad intelectual, en la búsqueda de mecanismos de protección para dichas músicas, que tengan en cuenta sus particularidades artísticas y sociales.

Tecnologías del saber musical en Río de Janeiro en el siglo XIX: el caso de la viola

Renato Moreira Varoni de Castro — 2020-02-10

This article discusses methodological strategies for dealing with historical sources in (ethno)musicology research. I name this approach “technologies of musical knowledge” and besides a review of the importance of technologies for the development of (ethno)musicology, I support my perspective through visual examples from my own investigation about the violas in nineteenth century Rio de Janeiro. I argue that despite the myriad of sources available, including iconographic representation (drawings and paintings), travelogues, chronicle and fictional literature, musical scores and tutors; their ethnographic information can only emerge out of a process of interpretation that involves a full assessment of the representational medium in which the data is presented. In other words, I defend that a thorough analysis and interpretation of musical documents depends on the awareness of the technological enablements and constraints in which the historical representations are inscribed.

El proceso de enseñanza-aprendizaje musical del candomblé: cultura, educación y las prácticas contemporáneas

Luciano da Silva Candemil — 2020-02-10

El presente artículo presenta un estudio sobre el proceso de enseñanza-aprendizaje musical del candomblé, una modalidad de religión afro-brasileña. En este contexto, la música ejerce función comunicativa, participa de todos los rituales, así como está íntimamente relacionada con elementos extramusicales, como la danza y la mitología de los orixás, las divinidades africanas. Con el fin de extrapolar los contenidos cotidianos, el objetivo fue investigar las actividades musicales de una cultura específica para fomentar una reflexión sobre las prácticas educativas contemporáneas. Antes de avanzar en el universo religioso del candomblé, fue considerado oportuno, revisar los conceptos de cultura y educación para ayudar a la comprensión de ese complejo sistema musical y cultural. Por lo tanto, contando con la experiencia de un intenso trabajo de campo, se realizó una revisión bibliográfica teniendo como soporte teórico autores de las áreas de la educación (Brandão, 2007; Machado, 2007); de la educación musical (Arroyo, 2000; Kleber, 2006;); de la etnomusicología (Blacking, 2007; Almeida y Pucci, 2011); así como obras específicas sobre cultura (Tylor, 1871; Santos, 2006) y sobre la música del candomblé (Prandi, 2005; Cardoso, 2006; Fonseca, 2002); sólo para citar algunos. Por lo tanto, mediante una visión global del ambiente cultural del candomblé, anhelamos hacer contribuciones a una educación musical contextualizada.

Recorridos. Diez estudios sobre música culta argentina de los siglos POR y XXI, de O. Corrado / Ruinas sonoras de la modernidad, de E. Seroussi / Gestionar, mezclar, habitar..., de G. Gallo y P. Sermán

Juan Pablo González — 2020-02-10