telondefondo. Revista de Teoría y Crítica Teatral

La payasa monstruo: nuevas figuraciones y clown_tactos para deshacer lo humano en la comicidad

2019-12-19T18:27:16+00:00

La payasa monstruo es una figuración móvil que aboga por una risa monstruosa y posthumana. Es una herramienta que pueda servir a los movimientos feministas, queer y crip, como proyecto colectivo de risistencia a la comicidad patriarcal, heredera de la Ilustración. La payasa monstruo debate el estatuto de excentricidad de la mujer a lo largo de la historia y propone genealogías plurales de la risa y la comicidad, a través de diálogos con otrxs cuerpos y sujetxs rientes y risibles. Es una madre desviada que, junto a sus hijxs también desterrados, busca rescatar los imaginarios abyectos y grotescos que se encuentran ubicados en el umbral de la humanidad.

Metáforas, resistencias y contagios: análisis de los objetos escénicos en el espectáculo Peligran los vasos de Paco Giménez

2019-12-19T18:27:34+00:00

En el presente artículo se propone una reflexión acerca de la capacidad poética del objeto en escenificaciones que no se encuadran en el denominado Teatro de objetos, como sucede con el teatro de Paco Giménez, cuya dramaturgia se alimenta fundamentalmente del trabajo actoral. En este sentido, se describen la configuración de metáforas y la emergencia de nuevos sentidos que los objetos cotidianos adquieren en el proceso creativo. Se observan también las cualidades sensibles que los objetos despliegan en escena, contemplando la influencia que ejercen sobre la corporalidad de los actores y el tipo de relaciones que se configuran entre ambos.

La alianza de los cuerpos migrantes: del cuerpo-metáfora al cuerpo-sujeto en Venimos de muy lejos de Catalinas Sur

2019-12-19T18:27:46+00:00

En 1983, al término de la dictadura militar argentina, en el barrio porteño de La Boca se constituye el Grupo de Teatro Comunitario Catalinas Sur. La voluntad de los vecinos por recuperar el derecho a aparecer (Butler, 2015) en el espacio público del Estado, a través del espacio íntimo de la memoria, lleva a la composición en 1989 de Venimos de muy lejos, un homenaje para todas las generaciones de inmigrantes europeos llegados al país a lo largo de los siglos XIX y XX. Presentada en 1990 en la Plaza Islas Malvinas, la pieza – que se sigue montando todos los años – se transforma en 2013 en una película documental que atestigua la historia de la resistencia política y cultural llevada a cabo por el proyecto comunitario. En la mezcla de registros (entrevistas, testimonios, grabaciones teatrales y montajes cinematográficos) y lenguajes escénicos (cocoliche, cantos populares italianos y españoles, murga uruguaya, títeres y circo), Venimos de muy lejos se transfigura, tanto en la pantalla como en el tablado, en un cuerpo plural hecho de muchas voces y de muchos hablantes, un cuerpo en tránsito que, en la escena abierta de la calle, ya no es espectáculo de algunos sino experiencia de todos

Biodrama y teatro histórico: entre el fragmento y la traducción

2019-12-19T18:28:21+00:00

El teatro dramático, tradicional, fundado en la noción aristotélica de mimesis, narra historias que, más allá de las distintas tramas que puedan plantear, tendrán siempre comienzo, medio y final. Es un teatro que se propone como doble de la realidad. Las unidades aristotélicas ordenan el caos de la existencia humana e introducen la ilusión tranquilizadora del control sobre el tiempo y sobre la vida en su permanente transcurrir. Sin embargo, la modalidad escénica del teatro posdramático pone en crisis las nociones aristotélicas; este teatro ya no busca ser espejo de la realidad, reproducción fiel y detallada. Beatriz Trastoy, en La escena posdramática (2017), caracteriza al teatro argentino contemporáneo como un teatro que se focaliza en los cuestionamientos metaescénicos, en la problematización de la teoría y la práctica teatrales. En este teatro posmoderno, según la autora, no se reflexiona sobre los personajes y sus acciones: el quehacer teatral es tematizado. Nos interesa trabajar aquí con dos obras del teatro argentino actual que ponen sobre la mesa las tensiones entre ficción y realidad desde las nociones de “traducción” (Trastoy) y “fragmento de vida” (Sarrazac): Mi mamá y mi tía, de Vivi Tellas, y El pasado es un animal grotesco, de Mariano Pensotti.

Sobre el uso de la noción de diagrama para una estética del teatro

2019-12-19T18:28:40+00:00

Del Ars magna y el Ars combinatoria de Lulio y Leibniz a las semióticas de Peirce y Eco y la hermenéutica de Beuchot la noción de diagrama, por su analogicidad, se ha mostrado provechosa a distintas disciplinas o áreas del conocimiento, a saber, la lógica, la semiótica, la hermenéutica, la ontología y la estética. En ésta, entendida como filosofía del arte, el trabajo de Deleuze, Pintura. El concepto de diagrama, es un hito en su aplicación, específicamente, a pensar la pintura y lo que ésta ofrece a la filosofía. El propósito de este escrito es recuperar los hallazgos del filósofo francés sobre el diagrama en la pintura y aplicarlos al teatro, en el marco de la Hermenéutica filosófica de Beuchot, que guarda una estrecha relación con la semiótica, y el concepto de escenósfera que propone Cañada, en seguimiento de Kowzan, para fundar una estética del teatro. El planteamiento tiene un carácter preliminar, adecuado para entablar un diálogo que avance en la apreciación de los avatares escénicos. Se sostiene, pues, que la noción de diagrama posibilita una estética del teatro al amparo de la hermenéutica y la semiótica.

Elementos performativos en la reposición de los clásicos a través de las puestas en escena tradicionales: el caso de Ricardo III de Thomas Ostermeier

2019-12-19T18:28:58+00:00

El presente artículo se centra en el campo de la dirección escénica contemporánea utilizando como estudio de caso la puesta en escena Ricardo III de Thomas Ostermeier, analizada desde la perspectiva teórica de los estudios realizados por Hans-Thies Lehmann y Erika Fischer-Lichte sobre el teatro posdramático y la estética de lo performativo. La teoría de estos autores se ha propuesto como soporte para considerar aspectos y definiciones estéticas contemporáneas que se puedan ajustar al trabajo de directores que combinan lo convencional con lo performativo.

La ética en Galina Tolmacheva: el pasaje del “sí mismo” a la construcción de la autoridad

2019-12-19T18:29:23+00:00

La pregunta que moviliza este trabajo es una pregunta por la ética. Partimos de la hipótesis de que la creación de la Escuela Superior de Teatro de la Universidad Nacional de Cuyo, bajo la dirección de Galina Tolmacheva durante la primera mitad de la década del 50, instaura un proceso normalizador en la enseñanza del teatro, que configura cuerpos y modos de relación que se cristalizan como métodos pedagógicos para la buena práctica del arte teatral, a la luz de las escuelas de actuación rusas. En tal sentido, proponemos problematizar la noción de sí mismo propuesta por Stanislavski en su Ética y disciplina (1944), a través de una serie de traducciones al español, para comparar dicha noción con la (re)escritura realizada por Tolmacheva en Ética y creación del actor. Un ensayo sobre la ética de Stanislavski (1953), en la cual advertimos la comprensión del sí mismo como ejercicio de la autoridad.

Presentación Politicidad, memoria y experimentación estética y documental en las realizaciones teatrales y performáticas argentinas de los 60 a la actualidad: avances de investigación (II)

2019-12-19T18:29:37+00:00

Archivo White: teatro documental, museo y memoria

2019-12-19T18:29:49+00:00

El siguiente artículo presenta los avances de una investigación destinada a estudiar comparativamente distintas modalidades de teatro documental desarrolladas en la escena argentina contemporánea. En este caso, se pone en foco la experiencia de Archivo White, un proyecto documental desarrollado en el marco del Museo-Taller Ferrowhite (Ing. White, Bahía Blanca, Argentina) que trabajó con vecinos de la comunidad siguiendo el modelo desarrollado por Vivi Tellas en el marco de su proyecto Biodrama. El análisis de las distintas puestas en escena que integraron Archivo White –Marto concejal (2007), Archivo Caballero (2008), Con tormenta se duerme mejor (2009) y Flying Fish. La vuelta al mundo con Roberto Orzali (2010)– constituye un aporte para la historización detallada de esta experiencia y busca, a su vez, ofrecer una base para proyectar algunas reflexiones ligadas a los temas centrales de este dossier sobre Politicidad, memoria y experimentación escénica y documental en las realizaciones teatrales y performáticas argentinas de los 60 a la actualidad.

La protesta subterránea del caféconcert. Identidades amenazadas

2019-12-19T18:30:02+00:00

La afirmación ontológica de la identidad supone una lucha discursiva/simbólica (y en ocasiones también física) entre enunciadores de la historia –en este caso, los artistas del café concert, por un lado, y quienes se oponían a dicho proceso de constitución alternativo de identidad, por el otro–. La coerción directa por parte del campo de poder sobre estos espectáculos contestatarios hizo mermar uno de estos términos, dado que la identidad era pensada desde una concepción esencialista/totalizadora y no había cauce para un discurso cuestionador. En los café concert se desarticulaba el concepto de identidad. Esta problematización en el concepto puede analizarse, como bien lo hace Arfuch (2005: 24), en la sustitución de las preguntas “cómo somos” o “de dónde venimos” por el “cómo usamos los recursos del lenguaje, la historia y la cultura en el proceso de devenir más que de ser, cómo nos representamos, somos representados o podríamos representarnos”. La puesta en escena puso en cuestión la representatividad de quienes actuaban en la esfera del poder y deconstruyó su mundo simbólico; la consecuencia fue el pase de la lucha discursiva a la violencia física como intento de supresión de la configuración de una identidad alternativa.

Arde Copi (2017-2018, dirección Di Fonzo Bo)

2019-12-19T18:30:15+00:00

El presente artículo se centra en la puesta en escena de Marcial Di Fonzo Bo titulada Copi (2017-2018), programada por el Teatro Nacional Cervantes como homenaje póstumo al autor mencionado en el título de la misma. Para indagar sobre la unidad teatral buscada por la puesta en su conjunto, desde una lectura de imágenes apoyada en conceptualizaciones de Georges Didi-Huberman, el artículo analiza los textos que la componen (dos obras completas, Eva Perón y El homosexual o la dificultad de expresarse, junto a otros fragmentos de obras variadas del dramaturgo, historietista, escritor y performer). En ese camino, el artículo explora los vínculos de Copi con el archivo criollo, con la historia del transformismo en el país, con el cuestionamiento a las identidades sexo-genéricas fijas, así como con el historial de la textualidad prohibida durante tantos años en Argentina, Eva Perón.

La re-presentación del pasado. Una lectura sobre la obra dramática El Campo de Griselda Gambaro

2019-12-19T18:30:27+00:00

La representación teatral del pasado que trae el recuerdo de la violencia límite ejercida por el Estado sobre los cuerpos, interpela nuestro presente. Esa irrupción del pasado se nos vuelve comprensible a través de la organización de determinados procedimientos de la representación dramático-escénica. El presente trabajo realiza un análisis sobre El campo de Griselda Gambaro, a través de un abordaje semiótico que nos permite indagar sobre las implicancias de la representación del tiempo y la historia desde las perspectivas de P. Ricoeur, W. Benjamin, G. Didi-Huberman, B. Sarlo y A. Kaufman.

Reflexiones sobre la construcción de la identidad femenina en la comedia en las primeras décadas del siglo XX

2019-12-19T18:30:45+00:00

La comedia en Buenos Aires, ha tenido desde sus orígenes a la familia como centro dramático que ha funcionado en muchos casos, como un microcosmos de distintas realidades históricas. Dentro de este marco familiar al que hacemos referencia, nos interesa centrarnos en esta oportunidad, en la figura de la mujer. Las tensiones que se producen al comenzar el siglo XX entre la vieja clase media criolla, la vieja oligarquía y la incipiente clase media de origen inmigratorio se ponen de manifiesto no sólo en la vida social sino que también se plasman en las expresiones teatrales. En la comedia, específicamente, esto se advierte de manera notoria sobre todo con el surgimiento de la comedia asainetada que tiene como protagonista a la incipiente clase media de origen inmigratorio. Sin embargo, la construcción de la identidad femenina la muestra todavía constreñida al ámbito de la casa en donde es interesante observar el rol de las madres, las esposas y las suegras que constituyen, éstas últimas, una importante fuente de comicidad. Nos interesa exponer en este trabajo algunos apuntes sobre el fenómeno señalado tomando distintas variantes de la comedia. Nos interesa también ver cómo se aborda el caso de la mujer trabajadora en piezas como Mamá Clara (1920) de Federico Mertens o El sostén de la familia (1931) de Darthes y Damel, sólo por nombrar algunas

Las representaciones del mito de Antígona en las teatralidades latinoamericanas: teatro, resistencia y memoria

2019-12-19T18:30:57+00:00

El presente estudio surgió a partir de una serie de preguntas vinculadas a la persistencia de la figura de Antígona en las teatralidades latinoamericanas y a la posibilidad de considerar al teatro como una práctica cultural asociada a la conservación de la memoria. Las distintas versiones latinoamericanas del mito evidenciaron que, como señala Byung-Chul Han (2016), la violencia es una constante en la historia y sus formas de aparición varían según las constelaciones sociales. Mientras en la Antigua Grecia la guerra era un ejercicio material sobre los cuerpos de los combatientes y las víctimas, en la actualidad la violencia se torna anónima, desubjetivada y sistémica.

Panorama de los metadiscursos de las artes escénicas en el entorno digital

2019-12-19T18:31:10+00:00

A la luz de las investigaciones que vienen de las disciplinas de la comunicación y la sociología, el objetivo de este trabajo es contar con un marco que nos permita analizar las relaciones entre el teatro, sus metadiscursos y los medios de comunicación. Esto nos servirá para sentar las bases de nuestra investigación de casos particulares vinculados a prácticas escénicas activistas y su relación con los medios de comunicación. Sin embargo, sin considerar primero una situación de contexto, no contamos con las herramientas necesarias para dicho análisis. Este artículo se propone brindar un panorama acerca del abanico de metadiscursos que surgen del teatro en el entorno digital para poder luego realizar un estudio de caso.

Políticas de archivo. Entrevista con Ana Longoni

2019-12-19T18:31:23+00:00

Entrevista realizada en el Museo Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) el 4 de abril de 2019 a la investigadora argentina Ana Longoni acerca de las políticas de archivo presentes en los estudios realizados a lo largo de su trayectoria -como Perder la forma humana-, y de sus proyectos más actuales como El giro gráfico. Miembro de la Red Conceptualismos del Sur, Ana Longoni es la actual directora del Departamento de Actividades Públicas del MNCARS. Es doctora en Artes por la Universidad de Buenos Aires, especialista en los cruces entre arte y política en Argentina y América Latina, desde mediados del siglo XX hasta la actualidad. Entre sus publicaciones se destacan: Roberto Jacoby. El deseo nace del derrumbe (2011), Leandro Katz (2013) y Vanguardia y revolución (2014).

Polifonía y rapsodización en la puesta en escena de Juan Pablo Gómez para Un domingo en familia de Susana Torres

2019-12-19T18:31:36+00:00

Dentro de los estudios dedicados a lo que se ha tendido a denominar teatro posmoderno (Pavis, 1990) o teatro posdramático (Lehmann, 2013), polifonía y rapsodización aparecen como dos conceptos teóricos ampliamente utilizados para analizar diversas puestas en escenas contemporáneas. Partiendo de la premisa de que estas categorías siguen resultando pertinente por su operatividad a la hora de describir los procedimientos teatrales empleados en muchos de los textos espectaculares de la cartelera actual, el presente artículo retoma estas nociones para abordar la puesta en escena de Un domingo en familia (Juan Pablo Gómez, 2019), sobre el texto dramático de Susana Torres Molina. Se intentará mostrar cómo la puesta continúa y amplifica los lineamientos estilísticos vinculados a la polifonía y a la rapsodización como formas de evidenciar la contradicción de ciertos relatos y puntos de vistas cristalizados socialmente. A través de la exploración en diversos lenguajes escénicos, pero, en particular, de los recursos retóricos-expresivos relacionados con el plano sonoro del espectáculo, la puesta trata de no acallar voces ni clausurar sentidos. Se crea así una sinfonía confusa y discordante que, al mismo tiempo que pone en cuestión la militancia de los años setenta, interroga sobre sus resonancias en el presente.

Hagamos la transición: sobre lo liminal en Ruido, ¿cuál es tu veneno? de Bruno Acevedo Quevedo

2019-12-19T18:31:52+00:00

Ruido es una experiencia teatral en la cual espectar implica moverse y transpirar al ritmo de la música electrónica; los cuerpos en contigüidad se confunden y los signos se multiplican. ¿Cuál es tu veneno? busca complejizar la generalización y estigmatización en torno al uso de drogas. La pregunta es amplia y los personajes la van respondiendo de diversas formas, en torno a sustancias, sí, pero también en torno a vínculos, deseos, angustias y frustraciones. Lo liminal se manifiesta no sólo en el entrecruzamiento de diferentes códigos artísticos (el audiovisual, la música en vivo y los códigos teatrales), sino también de posicionamientos éticos y políticos.

Soy en el escenario. Carlos Ianni: escritos sobre gestión y teatro, de Antonella Sturla

2019-12-19T18:32:08+00:00